La magia de lo posible

En la agenda mensual que ocupa más tiempo: ¿la vida gamers o la vida programadoras?

Pilar de Mena: Uno de los elementos que más ha logrado enriquecer al proyecto de Talara es la diversidad de miradas y personalidades que conforman al equipo. Esto es así ya que contamos con integrantes más afines a los Videojuegos que otras, quienes a su vez se orientan más hacia el lado del Cine y la Televisión. Talara así entonces nace gracias a una fusión entre miradas más bien gamers y miradas más bien cinéfilas. Con esto en cuenta, el tiempo que dedicamos a consumir videojuegos y obras audiovisuales semana a semana no es menor, no solo por el simple disfrute de los mismos, sino también como una fuente constante de aprendizaje y referencias para poder nutrir más nuestro propio proyecto. Muchas veces nos encontramos, como también lo suelen hacer aquellos dentro del mundo del diseño y creación, con la dificultad de simplemente disfrutar lo que consumimos sin ningún análisis de fondo. Esto no quiere decir que siempre nos paramos con una postura crítica hacia los videojuegos que jugamos sin poder divertirnos, sino que inevitablemente algo absorbemos, positivo o negativo, de cada uno, que nos servirá a la hora de seguir diseñando Talara. La línea entre gamers y diseñadoras se hace así cada vez más borrosa, y delinear el tiempo que invertimos en cada aspecto, también.

¿Qué encontraron en esa búsqueda inmersiva para pensar y contar Talara?

Merlina Torales: Talara fue proyectado en el marco de la materia Proyecto Audiovisual 3, donde la consigna era realizar un proyecto ficcional, de ser posible por fuera de las plataformas tradicionales. En ese sentido, nos interesaba la idea de experimentar dentro del mundo de los videojuegos, manteniendo ciertas cuestiones del audiovisual canónico. Buscamos utilizar el videojuego como modo de acercar e involucrar aún más al espectador, en lo que se puede considerar una narrativa clásica. De esta forma, empezamos a esquematizar lo que sería más adelante Talara, a partir de nuestras propias vivencias, concepciones e historias. Otro punto que consideramos clave a la hora de empezar a crear el videojuego, es que queríamos que la historia tuviese una perspectiva femenina, rompiendo quizás con cierta prevalencia de la mirada masculina que encontrábamos en el mundo de los videojuegos, ya sea por los protagonistas o sus creadores. Además, nos parecía importante de igual forma, hablar desde una perspectiva local. Por esa razón, elegimos la Patagonia Argentina, como lugar para contar nuestra historia. Esta se encuentra presente tanto en la iconografía del juego, como en la identidad visual, sonora y narrativa del mismo.

Llevan adelante desarrollos narrativos y visuales complejos. ¿Cómo fueron fusionando su formación académica con nuevas experiencias tecnológicas?

Cloé Tsiaculias: Inicialmente ese era el punto de partida que nos puso en un lugar de investigar diferentes proyectos que llevaran a cabo esta dualidad. Teníamos las herramientas para generar ambientes sonoros, espacios con perspectiva fotográfica, guión narrativo y la construcción de una historia significativa desde un aspecto diseñado minuciosamente. La mejor forma es inicialmente investigar, involucrarse, preguntar sobre el formato para después ponerle la impronta que uno lleva consigo. Nosotras buscamos diferentes videojuegos del mismo género para establecer diferentes patrones dentro de las historias o mecánicas para saber de dónde empezar a construir la narrativa y la jugabilidad. Después empezamos a conocer sobre los diferentes motores, que brindaba cada uno así podés establecer qué queríamos contar y cuál era la mejor forma para hacerlo. Entonces toda esta investigación nos ayudó a tener construido todo el espacio virtual en nuestras mentes y los actos de la narrativa, de ahí en más se fue involucrando el aspecto de videojuego. Una historia es lineal dentro de lo que significa la experiencia, la pasividad del espectador no es igual a la actividad del jugador, uno tiene que darle diferentes estímulos y situaciones para que pueda explorar y conocer más del personaje que está encarnando, de esa forma se puede involucrar y la inmersión desemboca en la empatía que queremos generar.

En un ambiente tan masculino donde solo el 21% de las trabajadoras del sector son mujeres ¿cómo es programar y narrar desde una mirada de género?

Elina Azcona: Programar y narrar con perspectiva de género es un desafío constante. En los comienzos de nuestro proyecto fue como tirarnos al vacío y que pase lo que tenga que pasar aún sabiendo un poco cómo eran las reglas del juego. Teníamos las ganas, la convicción y un puñado de conocimientos y sensibilidades que nos podían ayudar en el proceso. Pero claramente, luego de dar los primeros pasos nos encontramos con una industria mucho más hostil y reticente al ingreso de las mujeres de lo que pensábamos inicialmente. Tuvimos unas primeras malas experiencias que nos pusieron los pies sobre la tierra y nos permitieron darnos cuenta que si queríamos seguir avanzando necesitábamos fortalecernos porque el camino iba a ser bastante cuesta arriba sobre todo si queríamos ingresar a la industria por esa puerta, anunciandonos como autoras, sosteniendo que teníamos algo para decir, algo para contar y si lo íbamos a narrar iba a ser desde nuestra perspectiva, en clave femenina y con nuestras condiciones.

Lo que a nosotras más nos hace ruido de ese 21% es pensar en profundidad qué roles ocupan las mujeres que actualmente forman parte de la industria de los videojuegos. La gran mayoría se desempeña en áreas técnicas, o técnico-creativas, pero es alarmante la poca cantidad de mujeres que hay presentes en la creación de videojuegos. A simple vista no parece que esto fuera una amenaza, pero cuando te das cuenta de que la industria te deja entrar sólo si estás dispuesta a trabajar para el desarrollo de las ideas y de los discursos de otro se prende una alarma roja. ¿Por qué normalmente no estamos en los equipos de autoría de los juegos? ¿Por qué nuestras perspectivas de mundo no están en las mesas creativas cuando se está por arrancar un nuevo proyecto?

Las preguntas se responden por sí solas. Hay algunas voces que se espera que no se escuchen y ahí es donde está la mayor asimetría. Por supuesto que celebramos que cada vez se sumen más chicas a la industria en el puesto que sea, pero es necesario que estemos ahí para ponerle voz a las historias, para que dejen de suponer por nosotras y sobre todo para que nuestros discursos y perspectivas de mundo comiencen a tener protagonismo.

¿Qué es para ustedes ser parte de Women in Games (WIG) Argentina?

Cloé Tsiaculias: Principalmente es un honor poder pertenecer a un grupo como es WIGAr, no sólo por la iniciativa de impulsar a mujeres de todas las edades a involucrarse con videojuegos, sino también porque conecta a todas aquellas que pertenecen a la industria y pueden compartir experiencias (buenas o malas). Al principio cuando entramos era todo tan nuevo pero realmente encontramos un espacio seguro donde siempre recibimos apoyo y contención, en caso de necesitarlo. Somos parte de esta asociación que quiere ser parte del cambio de estructuras principalmente laborales; como  grupo que busca no solo la ampliación de espacios de trabajos y ambientes laborales seguros para mujeres y disidencias, sino también que sirva de ejemplo para niñas o jóvenes que si quieren hacer videojuegos sepan que pueden. Hay una estructura muy machista respecto a que «los videojuegos son para chicos», un marketing dirigido a hombres no quiere decir que sean todos los juegos dirigidos a ellos ya que hay un gran porcentaje de mujeres que juegan y disfrutan de la misma forma. Además, gracias a Women In Games Argentina pudimos completar todo el equipo, allí conocimos a Débora Theaux, Adriana Urdaneta, ambas programadoras, y a Real Niní que se encarga de la composición musical. Por último, a Florencia Kantis la conocíamos de la misma universidad.

La industria de videojuegos mundial es enorme ¿Las producciones son realmente diversas y representativas?

Pilar de Mena: La realidad es que, como muchas otras industrias, la industria de los videojuegos ha tenido desde sus comienzos varios problemas desde el punto de vista de representación diversa en sus partes, tanto desde su producción técnica, target, historias y personajes en sí. Haciendo un paralelo a los inicios del cine y enfocándonos en principio en la figura de la mujer, era común que fuese relegada a un puesto secundario y ‘débil’, muchas veces como un premio o alguien quien necesitaba ser rescatada, alguien detrás de una figura masculina quien indudablemente toma el rol protagónico. Podemos señalar excepciones puntuales, ya sea Samus en la famosa saga de Metroid, Jill en el primer Resident Evil, o Lara Croft en Tomb Raider (aunque ella también ejemplifica la fuerte sexualización que suele ocurrir con estos personajes) pero podemos afirmar que se encontraban en la minoria de los casos. Sin embargo, se seguía manteniendo una mirada hegemónica a lo largo. También, lo común era ver a los videojuegos como un pasatiempo o área de trabajo que excluía activamente a varios sectores. Volviendo al presente, se puede ver un gran cambio tanto en la producción y consumo dentro de la industria. Gracias a que este mundo se hace cada vez más accesible para más gente, surgen nuevas voces y miradas capaces de formar parte, aunque siempre con puja desde algunas partes negadas al cambio. Igualmente, todavía quedan muchos cambios por hacer y voces por escuchar. Y estamos felices de poder ser parte.

Evitando todo tipo de encasillamiento o tipificación ¿con qué personaje de videojuegos se identifican?

Elina Azcona: Es una muy buena pregunta. Para ser totalmente honesta no se si tengo un personaje de videojuegos con el que me identifique específicamente.

Pero en relación a eso me acuerdo que uno de los primeros juegos con los que me crucé en mi infancia: Los Sims, me impactó muchísimo. En esos tempranos 2000 me di cuenta que en mi computadora tenía un juego que me daba el poder de crear un mundo o una realidad como a mí me gustase y por supuesto tenía infinitas posibilidades para crear personajes o avatares. Ahora, muchos años después, esto es casi una obviedad, pero en ese momento para mí fue muy impactante poder crear una proyección de mí en la pantalla, hacer un personaje con mi color de pelo, con mi nombre, con la ropa que probablemente me gustaba usar y en un contexto que diseñe específicamente a mi gusto. Me atrapó todo ese universo, me identifiqué con mi proyección virtual y me enamoré de lo que yo había podido crear a partir de ese juego.

Entonces hoy a la distancia me doy cuenta que lo que más me fascinaba de Los Sims (además de pasarme horas jugando) era la fusión de esos dos mundos: el mundo real donde yo existía y el virtual donde existía una proyección virtual de mí misma, esa posibilidad de saltar entre la realidad material y la realidad virtual quizás fue para mí el principio de toda esa búsqueda que hoy puedo continuar con Talara. De alguna manera, en nuestra protagonista proyectamos un poco de nuestras historias.

Cloé Tsiaculias: no tengo un personaje principal, siento que los aspectos genéricos de cada personaje; quizás en varios de ellos: Edith Finch por la gran familia, Jared de Spiderwick por la curiosidad, y como la misma la lleva a diferentes situaciones. Un poco una se identifica con quien quiere ser también ¿No? La heroína de algún cuento, película o en este caso un videojuego. A pesar de esto espero que ‘Talara’ sirva para todas aquellas personas que no se encuentran en otros personajes, pero vean en ella una parte suya, tanto como hay parte nuestra.

Pilar de Mena: Me encontré hace no mucho con Mae, la protagonista de Night in the Woods, y su forma muy particular de ser. Sus comportamientos y diálogos más bien crudos me parecieron muy interesantes de vivir, y también que se desviaban de la típica protagonista. En otro extremo, siempre disfruté de personajes que se dejan completamente libres a la interpretación del jugador, a habitarlos por completo, como pueden ser Link en la franquicia de Zelda, o los entrenadores en la franquicia de Pokémon. El objetivo es poder trasladarse completamente a sus mundos, y es algo que disfruto desde niña.

Merlina Torales: Mi caso es un poco distinto, porque yo vengo un poco más conectada con el mundo del cine. Recién con Talara empecé a meterme en todo lo que es este inmenso mundo del videojuego. Sin embargo, para poder empezar a pensar nuestro proyecto, tuvimos varias referencias. Una de ellas, con la que yo me siento particularmente conectada es el videojuego Manzana Misteriosa, también desarrollado por un equipo de FADU. Creo que este videojuego sería una especie de Pilar para nosotras, porque fue uno de los primeros que nos hizo creer que eso de hacer un videojuego era posible en una carrera como DIyS. El videojuego cuenta la historia de Nina, una chica que se pierde en Parque Chas. Me sentí identificada con ella desde el primer instante, ya que durante el CBC, mi primer amiga de la facultad vivía allí, por lo que frecuentaba el barrio seguido y, en varias ocasiones, me vi perdida en sus calles entrecruzadas.

Talara como viaje introspectivo a la niñez y a las raíces ¿Es el puntapié para otros sueños más?

Elina Azcona: Indudablemente sí. Con Talara logramos encontrar un lenguaje con el que nos sentimos muy a gusto. Pudimos fusionar la narrativa y la forma de contar historias que tiene el cine (que en definitiva es la formación que recibimos en la carrera) con la interactividad y la inmersión que propone el universo de los videojuegos. Nuestro proceso creativo terminó convergiendo felizmente en una road movie interactiva.

Sentimos que nuestra perspectiva como diseñadoras de imagen y sonido enriquece mucho al desarrollo de videojuegos más tradicionales, fusiona estos dos universos que antes mencioné y a la vez borra las líneas que los definen constantemente. Talara es claramente el puntapié para hacer otros videojuegos narrativos en el futuro. El deseo está y vamos a trabajar para que suceda.